di Graziano D'Urso
Nel mondo dell'insegnamento del canto, le parole da sole non bastano. Per guidare l’allievo verso una corretta emissione vocale, il maestro non può contare unicamente su nozioni tecniche o indicazioni anatomiche: ha bisogno di evocare sensazioni, di plasmare immagini, di creare connessioni tra ciò che si sente, ciò che si fa e ciò che si immagina. È qui che entra in gioco il potere della metafora.
Nel vocal training, la voce non è solo suono, ma corpo, spazio, colore, forma, movimento. Le metafore diventano uno strumento di precisione didattica, capaci di tradurre l'inafferrabile in gesto, la tecnica in esperienza corporea. La voce si “punta”, si “spalma”, si “illumina”, si “sospinge” come acqua da una fontana o si “appoggia” come una tavola da surf su un’onda. Sono immagini che si insinuano tra percezione e muscolatura, che orientano l’azione senza richiedere di nominarla analiticamente.
Quando un insegnante dice all’allievo: “immagina di avere una pallina in bocca” oppure “senti una caramella sulla lingua”, sta lavorando sull’apertura della cavità orale, ma senza parlare di palato molle o di spazio faringeo. Oppure, quando consiglia di “soffiare su una candela senza spegnerla”, suggerisce un controllo del fiato preciso e morbido, senza dover richiamare la dinamica diaframmatica. Così, concetti complessi come appoggio, sostegno, copertura del suono o risonanza vengono vissuti, sentiti, proiettati all’interno del corpo attraverso immagini vive e concrete.
Il corpo del cantante è il suo strumento, ma è anche la sua mappa immaginifica. Le metafore stimolano reazioni motorie e posturali: “fatti tirare la coda di cavallo”, “pensa di avere una corona in testa”, “pianta bene i piedi al suolo”. Sono inviti a una gestualità che accompagna la fonazione, che crea uno spazio interno ed esterno in cui la voce si sviluppa, si espande, prende forma. E a volte è lo stesso gesto del maestro a veicolare il senso dell’immagine, come accade nell’intervista a Giulietta Simionato, in cui le mani descrivono rotazioni e salite, accompagnando il canto e restituendo, con il corpo, la forma stessa del suono.
Le metafore toccano ogni senso. Non c’è solo l’udito coinvolto nell’insegnamento del canto: anche la vista (“scurire i suoni”, “colore del bronzo”, “voce vellutata”), il tatto (“magma in bocca”, “timbrare la voce come se fossi un orco delle fiabe”), il gusto (“suono dolce”, “suono aspro”), l’olfatto (“annusa un fiore”, “arriccia il naso per un cattivo odore”). La voce diventa così esperienza sinestetica, linguaggio che si vive con tutto il corpo.
Emerge allora una stratificazione ricchissima: ci sono metafore tecniche, condivise e ricorrenti (“colonna”, “cupola”, “linea”), e metafore creative, nate dalla fantasia di maestri e allievi, sempre nuove, sempre in trasformazione. Alcune immagini si tramandano, altre nascono spontaneamente in una lezione, da un gesto, da una sensazione, da un’intuizione. In ogni caso, sono parte integrante di una didattica complessa, stratificata, artigianale, che si affida al linguaggio per costruire competenze corporee.
Quando si chiede all’allievo di “spalmare la voce” o di “fare l’uncinetto con le parole”, si suggerisce qualcosa che va oltre la pura meccanica: si stimola una qualità espressiva, un’intenzione, un fluire. È in questo incontro tra l’immagine e il corpo, tra il gesto e la voce, che il canto prende forma. E qui si svela il cuore profondo del lavoro del maestro: non solo istruire, ma evocare. Non solo correggere, ma ispirare.
La didattica del canto lirico, così, si rivela come un’arte del corpo-immagine, del corpo-suono, del corpo-sensazione. Una pratica che unisce fisicità, immaginazione, sensibilità e ascolto. E dove ogni metafora, ogni gesto, ogni parola detta in aula è un tassello di quella costruzione misteriosa e potentissima che è la voce umana.
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