di Graziano D'Urso
Nel canto lirico — e più in generale nell’arte vocale — esiste un punto in cui la tecnica, per quanto raffinata, non è più sufficiente. È quel momento in cui l’ascoltatore non si limita ad ammirare un timbro, un acuto, un fraseggio: si commuove, si riconosce, si lascia trasportare. Come si arriva a questa forma di comunicazione così profonda? Come si passa dal “cantare bene” al trasmettere qualcosa di vero?
In questo articolo, tratto dal cuore della mia esperienza didattica e vocologica, voglio affrontare un nodo essenziale: la tecnica e la comunicazione non sono due percorsi separati, ma due facce della stessa medaglia. Anzi, sono le rotaie di uno stesso treno: quello che porta il cantante verso l’interpretazione autentica. E le chiavi per salire a bordo sono due: padronanza tecnica e consapevolezza espressiva.
Tutto comincia dal corpo. Una voce ben formata non si costruisce nel vuoto, ma in uno spazio fisico attento, allenato, calibrato. Il respiro non è solo aria: è appoggio, è sostegno, è energia. Attraverso un lavoro progressivo di equilibrio diaframmatico, di allenamento muscolare mirato al vocal tract, e di vocalizzi intelligenti, modellati come un vero e proprio workout, il cantante sviluppa una struttura solida e reattiva. Scale, arpeggi, intervalli, salti d’ottava — non sono esercizi ripetitivi, ma strumenti di costruzione della memoria muscolare, capaci di sostenere anche repertori tecnicamente impegnativi come il belting o i passaggi di registro complessi.
L’approccio che propongo non è “riparativo” — non si limita a risolvere problemi isolati — ma fisiologico e integrato: tutto concorre a un’evoluzione armonica e duratura della voce, dove ogni aspetto, dal fiato al timbro, lavora in sinergia. Il risultato? Una tecnica che non si impone, ma diventa trasparente, lasciando spazio a ciò che conta davvero: la comunicazione.
Perché sì, il canto è comunicazione a tutto corpo. Studi sulla comunicazione parlano chiaro: solo il 7% del messaggio passa attraverso le parole. Il resto lo trasmettiamo con intonazione, sguardo, postura, gesto, presenza scenica. Ed è proprio qui che l’insegnante diventa più di un tecnico vocale: diventa modello teatrale, guida espressiva. Non basta dire “muoviti”: bisogna mostrare come. Come dirigere lo sguardo, come articolare una consonante, come appoggiare un gesto alla musica, come usare lo spazio con coerenza.
Questa parte del lavoro non è “decorativa”: è fondamentale. Senza una consapevolezza espressiva, la voce resta sospesa, priva di radici. I vocalizzi, allora, si svuotano di senso. Ma se integrati con il lavoro psicologico e interpretativo sul personaggio, diventano strumenti per costruire presenza scenica, tensione drammaturgica, verità emotiva.
L’interprete nasce proprio lì, dove tecnica, parola, gesto e intenzione si fondono. Dove il cantante smette di cantare “per” il pubblico e inizia a parlare “attraverso” la musica. Il mio obiettivo didattico, in questo senso, è far dialogare ogni elemento: l’energia tecnica, la nitidezza verbale, la spontaneità psicologica, la coerenza scenica. Perché il cantante moderno ha bisogno di tutto questo per essere credibile. Non si tratta più solo di eseguire, ma di raccontare.
E questo approccio può davvero fare la differenza. Perché? Perché rifiuta le scorciatoie: non promette risultati lampo, ma costruisce basi solide e durevoli; perché trasforma il cantante in artista consapevole, capace di emozionare e coinvolgere; perché offre una padronanza completa dello strumento, dal respiro al fraseggio, dalla lettura a prima vista alla dizione espressiva.
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